Steamboy –Top 100 Películas de Animé (puestos 25-21)
Top 100 películas animé
25-21
25 – STEAMBOY (2004)
Tremenda obra de Katsuhiro Otomo que sobresalió entre las películas más ambiciosas del género.
Tras diez años de producción, hasta 2004 ostentó el récord del largometraje de animé más caro de la historia, con un presupuesto de 26 millones de dólares.
Luego fue superada por propuestas del estudio Ghibli, como El cuento de la princesa Kaguya (2013) y El chico y la garza (2023), que costaron 49 y 55 millones de dólares respectivamente.
En su momento fue un gran suceso comercial y cosechó reseñas muy positivas, aunque también cuenta con sus detractores.
En lo personal me encanta y, dentro del animé, es la gran película steampunk por excelencia.
La trama se ambienta en una Inglaterra victoriana alternativa, donde un joven inventor termina involucrado en una disputa tecnológica por una fuente de energía a vapor.
El nivel de detalle en la arquitectura industrial, los diseños de los vehículos y los escenarios mecánicos posee una opulencia visual impactante.
Al igual que la destacada Redline, es de esas propuestas que podés ver más de una vez y siempre encontrás un detalle nuevo que se te había pasado.
Ni hablar de las complejas secuencias de acción, que llevan la firma de Otomo y deslumbran por su creatividad.
Otro aspecto que me encanta de este film es la impronta pulp del relato. Tal vez la duración se excede un poco más de lo necesario y algunas motivaciones de los personajes resultan cuestionables.
Sin embargo, en el plano técnico sobresale entre los mejores filmes surgidos en la primera década del siglo XXI.
24 – MEGAZONE 23 (1985)
Una obra fundamental del cyberpunk de los años ’80, cuyo argumento en torno a la realidad simulada ejerció una enorme influencia en películas de ciencia ficción hollywoodenses posteriores.
Entre ellas, la saga Matrix, eXistenZ (David Cronenberg) y Dark City.
Para los materiales que se exhibían por entonces en formato de video, esta propuesta de Noboru Ishiguro resultó especialmente compleja y se lució además en el plano técnico, donde sobresalen las persecuciones en moto.
Al igual que en Macross, la banda sonora jugó un papel fundamental en la narración y, con el paso del tiempo, la obra obtuvo estatus de culto.
Un aspecto del film muy influenciado por el clásico de Walter Hill, Streets of Fire, al que Ishiguro homenajea con referencias directas.
De este material luego surgió la película de Robotech, que no tenía nada que ver con el argumento original.
23 – NINJA SCROLL (1993)
En este puesto encontramos a un referente absoluto del animé para adultos de los años ’90, que representa además una de las grandes gemas visuales del estudio Madhouse.
Yoshiaki Kawajiri elevó el retrato de la acción a otro nivel gracias a la fluidez de las escenas de combate, las coreografías detalladas y el uso expresivo del gore, que tendría una enorme influencia en las décadas siguientes.
Una fantástica historia de ninjas, complots políticos y mitología que dejó una huella importante entre las producciones de ese período.
Pit Stop de Datos Locos: la conexión Monet y el animé
Cuando visitás los célebres jardines de Claude Monet en Giverny, a 90 minutos de París, hay dos cosas que llaman inmediatamente la atención.
En primer lugar, para quienes somos amantes del animé, el entorno tiene un enorme impacto emocional porque parece el escenario de una película de Hayao Miyazaki.
Por otra parte, percibís enseguida un notable aumento de turistas japoneses.
Claro que también podrías haberlos cruzado en otras localidades francesas, pero acá se hacen notar y juegan claramente de locales.
La fuerte presencia asiática en los jardines responde a un largo romance entre Monet y Japón, una relación cultural con una historia fascinante.
A mediados del siglo XIX, Japón se abrió a Occidente y Europa quedó profundamente fascinada con la cultura asiática.
Entre esos artistas se encontraba Monet, quien llegó a coleccionar cerca de 200 grabados ukiyo-e, que tendrían un impacto decisivo en su obra.
El pintor no los colgó en su casa como simple decoración, sino como un manual visual de estudio, y desde entonces la pintura occidental no volvió a ser la misma.
Japón le enseñó a romper moldes en lo referido a encuadres y asimetrías. A partir del estudio de los grabados comprendió que el paisaje no debía ser un acompañante del personaje humano, sino un protagonista más del cuadro.
Cuando construyó su espacio de trabajo en Giverny incorporó numerosos elementos de los jardines japoneses, con estanques y puentes que se convirtieron en un ámbito para estudiar el paso del tiempo. Todo muy zen.
Tras la Segunda Guerra Mundial, Japón atravesó un proceso de occidentalización y el impresionismo —corriente que tiene en Monet a su máximo referente— fue adoptado como el estándar de la alta cultura.
Monet pasó a ser amado y estudiado por las clases medias, y el vínculo entre el pintor y la cultura japonesa se manifestó en diversas expresiones artísticas.
Dentro del animé, el ejemplo más claro puede encontrarse en las obras del estudio Ghibli, y muy especialmente en los filmes de Hayao Miyazaki, cuyo modo de retratar la naturaleza está profundamente influenciado por esta herencia.
En Kiki: aprendiz de bruja la referencia va aún más lejos: la vivienda de los padres de la protagonista es, básicamente, la casa de Monet.
Por eso, cuando visitás Giverny, tenés la sensación de que Kiki puede aparecer en cualquier rincón.
Monet no se inspiró en Japón como tema, sino como una forma de mirar el mundo. Y en esa mirada, la cultura japonesa se sintió comprendida; de ahí que el pintor siga siendo tan reverenciado.
22 — COWBOY BEBOP: THE MOVIE (2001)
Esta película se ambienta entre los episodios 22 y 23 de la serie televisiva y sigue a los protagonistas en la investigación de un ataque biológico que amenaza Marte.
La propuesta condensa todos los elementos que hicieron de Cowboy Bebop un animé glorioso: la mezcla única de western, ciencia ficción y policial negro.
Las secuencias de acción de Shinichiro Watanabe son formidables y se complementan con la inolvidable banda sonora de Yoko Kanno.
El duelo final entre Spike y el villano Vincent califica entre los mejores momentos que brindó la animación japonesa en la primera década del siglo XXI.
21 – CAPTAIN HARLOCK: MY YOUTH IN ARCADIA (1982)
Más que una película, My Youth in Arcadia representa uno de los pilares fundamentales de la ópera espacial japonesa.
La obra narra los orígenes del legendario pirata espacial y apela a una narrativa más contemplativa, donde el desarrollo psicológico de los personajes y el uso expresivo de los silencios priman sobre la acción grandilocuente.
Por supuesto, hay batallas formidables y secuencias de acción, pero en esta película de Tomoharu Katsumata el foco principal está puesto en la construcción del antihéroe.
La trama le da contexto a la guerra intergaláctica contra los alienígenas Illumidas, revela cómo Harlock perdió un ojo, profundiza en su amistad entrañable con Tochiro y, lo más importante, permite comprender el origen de su compromiso con la defensa de la libertad.
Un personaje enorme que merecía más películas, aunque el estudio Toei nunca supo aprovecharlo plenamente en el cine.
La versión en CGI de 2013 ofreció un apartado visual cuidado, pero modificó numerosos elementos esenciales de la obra original.
My Youth in Arcadia permanece, todavía hoy, como la gran obra maestra de Capitán Harlock.
