Akira –Top 100 Películas de Animé (puestos 5-4)

Top 100 películas de animé

5-4

5 — Akira (1988)

Más que una película, Akira fue un movimiento cultural que redefinió el animé para siempre e introdujo este arte al público occidental adulto.

Algunos de nosotros la descubrimos en la infancia y, aunque no entendíamos del todo su contenido, nos voló la cabeza con su despliegue de violencia visceral y el mundo futurista que imaginaba.

En el continente americano, Ralph Bakshi e Ivan Reitman, con Heavy Metal, ya habían demostrado que la animación podía desarrollar contenidos maduros; sin embargo, Katsuhiro Otomo elevó la vara a un nivel que nadie se había atrevido a alcanzar.

Akira no solo deslumbraba con su impactante puesta en escena, sino que además abordaba temas políticos y filosóficos con una potencia que el cine tradicional en raras ocasiones se animaba a asumir.

La película era incómoda, no tenía personajes empáticos y retrataba con una honestidad visceral el trauma de la sociedad japonesa tras la Segunda Guerra Mundial, con un relato que tenía ecos directos de los bombardeos de Nagasaki e Hiroshima.

Otomo utilizó 160 mil celdas de animación, el triple de lo habitual en ese momento, para obtener una fluidez extrema en los movimientos de los personajes y las secuencias de acción.

Su efecto en la cultura popular fue descomunal y se extendió al cómic, la literatura cyberpunk, el cine hollywoodense y la música.

La famosa escena en la que Kaneda derrapa con su icónica moto roja todavía se recrea en el cine live action contemporáneo.

Y, como si todo esto no fuera poco, incluso predijo los Juegos Olímpicos de Tokio 2020.

Hoy, con el diario del lunes, es fácil encontrarle defectos: la primera mitad es más sólida que la segunda y el director no llega a desarrollar a fondo el contexto sociopolítico.

No obstante, Akira pertenece a esa categoría de clásicos que trascienden sus imperfecciones por la enorme huella que dejaron en el género.

Pit stop de datos locos

Entre las producciones de animé más censuradas en Occidente se encuentran los siguientes títulos:

• Lupin: diversas producciones, por su contenido violento.

• Akira: más por las referencias a las drogas y los temas políticos que por las secuencias de acción.

• Nausicaä: para mitigar el comentario social de Hayao Miyazaki.

• Dragon Ball: situaciones consideradas inapropiadas.

• Pokémon: The Movie: violencia y referencias localistas.

• La Blue Girl: serie erótica que sigue prohibida en el Reino Unido.

• Kite: secuencias de sexo explícito consideradas material de pedofilia.

4 — Princess Mononoke (1997)

Cuando la película llegó a Estados Unidos, el productor Harvey Weinstein intentó editar el material original de 133 minutos a una duración de una hora y media, ya que la consideraba demasiado extensa para la audiencia local.

Como respuesta, el productor de Studio Ghibli, Toshio Suzuki, le envió a Weinstein una katana real con una nota que decía: “No cuts” (“Sin cortes”).

En su momento, esta fue la película más radical y ambiciosa de Hayao Miyazaki, a tal punto que poco después de su estreno consideró retirarse, al sentir que había quedado creativamente vacío.

Un aspecto fascinante del film es que explora el choque entre el progreso humano y la conservación de la naturaleza mediante personajes ambiguos, cuyas motivaciones están fundamentadas en razones válidas, algo muy inusual para el período.

En una década dominada por relatos ecologistas más complacientes, Miyazaki —una vez más a contracorriente— presentó un film donde el bosque podía ser un lugar aterrador, habitado por espíritus peligrosos que exigían respeto.

Princess Mononoke también sorprendió por la violencia extrema de sus secuencias de acción. No obstante, Miyazaki no buscaba emular a Katsuhiro Otomo: la crudeza tenía como finalidad retratar las consecuencias reales del odio y la guerra.

En su estreno fue la película más taquillera en la historia de Japón, hasta que fue superada por Titanic, de James Cameron, quien más tarde tomaría varios elementos de Mononoke para la saga Avatar.