Space Cobra –Top 100 Películas de Animé (puestos 15-11)
Top 100 película de animé
15-11
15- SPACE COBRA: THE MOVIE (1982)
Una obra maestra de Osamu Dezaki, basada en el célebre manga de Buichi Terazawa.
Cobra es un ícono del animé ochentoso y quedó en el recuerdo por su impronta comiquera y las extraordinarias secuencias de acción, donde no faltan las referencias al western, el cine de James Bond y Star Wars.
La película cubre el primer arco argumental de la historieta, que luego integró los episodios iniciales de la serie de televisión.
En 1982 esta producción fue pionera en integrar efectos de animación computada para crear efectos de profundidad que fueron revolucionarios. Dezaki abrió la puerta a la experimentación tecnológica que iniciaría una nueva era en este campo.
Otro aspecto destacable es que, a diferencia de sus trabajos anteriores, el director integró una marcada estética del cómic europeo. Esta influencia de autores como Moebius (El incal) y Jean-Claude Forest (Barbarella) se puede apreciar en el diseño de personajes y escenarios.
Cabe detacar también la innovadora banda sonora de Osamu Shoji con mezcla de rock y jazz, que luego evocó el trabajo de Yoko Kanno en Cowboy Bebop.
Cobra retrata a Dezaki en un gran momento creativo de su carrera y su legado lo encontramos en numerosos títulos que brindó la space opera en los años ´90.
Dato Loco para Millennials:
En Argentina, en los años 80, a Cobra lo pasaban en la tele por Canal 9 en el bloque de animación y los adultos no decían nada porque se consideraba «un dibujito para chicos..».
14- EL CASTILLO EN EL CIELO (1986)
Esta es la parte del informe donde se vuelve imposible ordenar los filmes en un ranking, porque son todas obras maestras.
La ópera prima del Studio Ghibli marcó a fuego a toda una generación de realizadores que, años después, brindaron películas estupendas.
Entre los directores que escogen esta obra entre sus grandes favoritas se encuentran Hideaki Anno, Mamoru Oshii, Makoto Shinkai, Hironobu Sakaguchi (creador de Final Fantasy), además de ilustradores y autores vinculados al género steampunk.
Hayao Miyazaki desarrolló una propuesta de aventuras que dialoga con las obras de Julio Verne y Jonathan Swift (Los viajes de Gulliver), donde tampoco está ausente el mensaje ecologista.
El film envejeció de un modo impecable y todavía sorprende por la dirección de arte, los diseños de los mecha —que redefinieron al robot cuadrado y rígido de los años ’70— y la ingeniería detrás de las máquinas voladoras, que llevan la firma personal del director.
La obsesión enfermiza de Miyazaki por los detalles lo llevó a crear técnicas revolucionarias para simular superficies mojadas y el reflejo del sol en el mar, con un nivel de realismo que no tenía precedentes.
Un título imprescindible del animé de los años ’80.
13- EL INCREÍBLE CASTILLO VAGABUNDO (2004)
A diferencia de lo que hizo con el guion de Arrietty, en este proyecto Miyazaki se cortó solo y creó una adaptación libre de la excelente novela de fantasía de Diana Wynne Jones.
La primera entrega de la trilogía de Howl sobresale por el modo en que la autora reimaginó elementos clásicos de los cuentos de hadas y el folclore europeo, con referencias directas a La bella y la bestia y Cenicienta.
La novela también contribuyó a retratar a las brujas desde una perspectiva más positiva, en lugar de limitarlas al rol de villanas.
La película desechó parte de estas cuestiones para introducir un mensaje antibélico, donde el realizador manifestó su oposición a la invasión estadounidense de Irak en 2003.
Pese a que el relato original quedó diluido por el comentario social, esta producción permanece en el recuerdo como uno de los títulos más ambiciosos del cineasta japonés.
En su momento, Miyazaki dio una cátedra de cómo integrar tecnología CGI dentro de la animación tradicional para crear secuencias más complejas.
De este modo consiguió que las escenas de vuelo de los protagonistas tuvieran mayor profundidad y que el famoso castillo pareciera un organismo vivo, en lugar de una simple máquina.
El despliegue de ingeniería visual no se limita al movimiento de la maquinaria: la película presenta paisajes extraordinarios, inspirados en pueblos de la región de Alsacia (Francia), que también influyeron en los escenarios de La bella y la bestia de Disney.
No puedo dejar de resaltar la música de Joe Hisaishi, que refuerza el tono romántico del relato sin caer en el melodrama endulcorado.
12- PONYO (2008)
Durante la primera década del siglo XXI, Miyazaki tenía la pelota atada y no paraba de concebir obras extraordinarias.
En Ponyo encontramos su reimaginación personal de La sirenita de Hans Christian Andersen, donde el realizador se permite un descanso de los comentarios políticos y las narrativas complejas.
Después del prodigio técnico de El castillo vagabundo, este proyecto representó un regreso a las raíces de la animación artesanal pura.
Cada elemento que vemos fue dibujado a mano sobre papel y, en un momento en que la industria de la animación se inclinaba de manera definitiva hacia lo digital, Hayao sorprendió con una obra colorida, cuya calidez no podía replicarse mediante la tecnología CGI.
Dato loco:
Para la escena de la tormenta, Miyazaki quería que las olas se representaran “como si fueran músculos moviéndose bajo la piel”.
Sus colaboradores nunca entendieron el concepto y lograron hacerlo enojar.
Al final, el propio director se encargó de dibujar las olas de la forma específica que deseaba.
11- LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS (1988)
Una de las películas más devastadoras y honestas que se concibieron en la historia de la animación —y del cine en general—, que además representa uno de los títulos imprescindibles del estudio Ghibli.
Inspirada en hechos reales, la trama se enfoca en dos hermanos huérfanos que intentan sobrevivir por su cuenta durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial.
A partir de una puesta en escena sobria y naturalista, que evita el sentimentalismo, Isao Takahata construye un vehículo de memoria histórica y realismo crudo que golpea con fuerza y resulta difícil de olvidar.
De todas las películas que integran esta lista, Grave of the Fireflies es la única que vi apenas dos veces.
Entiendo por qué es considerada una obra maestra y la relevancia que tiene dentro del género, pero como experiencia cinematográfica es demasiado dura y no puedo revisitarla.
Años después de su estreno se realizaron dos versiones live action, en 2005 y 2008, que decidí evadir sin culpa, porque no cultivo el masoquismo.
Con la original tuve más que suficiente.
Me pasa algo con la Tumba de las Luciérnagas (que confieso, pensé que iba a entrar en el TOP3) … claramente es una película que no se puede repasar… pero no puedo ni leer el título … es decir, venis hablando de Animes, es obvio que iba a aparecer, pero .. encontrarla y se me hace un nudo en la garganta y aparece la sensación de vacío en el estómago es inevitable… me invade la tristeza.
El increible castillo vagabundo y Ponyo son dos obras de arte majestuosas.
Abrazo y gracias por la data compartida
Matias el top 10 siempre lo reservo para mis películas mas personales.
Tumba es tremenda pero no es de mis preferidas. Sobre porque me cuesta repasarla.
Abrazo.
Esperaba ver a Ponyo mas arriba y aunque el corte yo lo haría después de Laputa y no antes, claramente ya estamos hablando de Ghibli en estado de gracia.
Mas allá de reivindicar mi amor por Ponyo (top 3 de películas del miya), por otra parte una carta de disculpas publica a su hijo Goro a quien aniquilo cuando se puso a dirigir Terramar (y todavía no la había visto por que sino terminaban a las piñas…), La Tumba de las Luciernagas debido a su corte profundamente trágico, no solo se convirtió en un clásico, obra maestra y recomendación obligada, sino también en un meme y una advertencia…. todo junto!!!
Por cierto, yo solo la vi una vez y no pienso hacerlo nuevamente y menos haciendo cada vez mas viejo. Las ventajas de no tener que armar un ranking como el tuyo.
No empiecen a alterar mi top ten porque esta custiodiad con alambres de puas.