Frente a tus ojos es una obra multimedia que fusiona la expresión teatral con el cine a través de una historia de suspenso y horror, que le permite al espectador vivir una experiencia diferente.

Existen miles de libros de terror en la literatura y el cine es el arte donde más se trabaja este género. Sin embargo, en el teatro las propuestas de este estilo aparecen con cuentagotas cada tanto.

En Buenos Aires la cartelera teatral es sumamente abundante, a tal punto que hay más obras que salas, pero si revisás la programáción es muy difícil encontrarte con una historia del estilo de Halloween o Martes 13, porque directamente no existe en la cabeza de los productores hacer algo así.

Eso es lo que hace especial a esta apuesta de los directores Fernando Alvarez y Diego Serlin que proponen un espectáculo novedoso con una original puesta en escena, donde vas a tener la sensación de estar sumergido dentro de una película de estas características.

La trama gira en torno a un grupo de amigos, que  se encuentran reunidos en un Pub.

Andrea (Noelia Antunez), una aspirante actriz; Pablo (Martín Tchira), un reconocido crítico de cine, Luciano (Agustín Aguirre Leiva), un futuro cineasta; y Tomás (Sebastían Ursi) un joven estudiante de abogacía.

Nada vuelve a ser lo mismo para ellos cuando un asesino macabro inicia un juego mortal que revela sus secretos personales.

Después de ver la obra entrevisté al director Fernando Alvarez para conversar sobre este atípico espectáculo que se estrenó el sábado 2 de abril y sigue convocando público en la sala Garrick (Arte y Cultura) en el barrio de Caballito.

Fernando, que ya había producido otros espectáculos teatrales como “Bonita Couch”, “Despojada” ” Sentidos” e “Increiblemente bella“,  también es crítico de cine y trabaja como columnista de espectáculos en Radio Blue, Radio América y FM Metro, donde colabora en el programa de Matías Martin, “Basta de Todo“.

Hugo Zapata: Quería preguntarte primero cómo se gestó este proyecto porque realmente no existen obras que combinen el teatro tradicional con el cine.

Fernando Alvarez: Sí, esa fue la idea, combinar el lenguaje del teatro con el del cine. El desafío era ese. Saber si iba a funcionar, porque te digo una cosa, ni los actores creían en esto al principio. Cuando empezaron a leer el libro decían “esto no es una obra de teatro, sino un guión cinematográfico” y en realidad era así, pero bueno, la propuesta era llevarlo al teatro y combinarlo con otro lenguaje.

HZ:-  ¿Todas las secuencias filmadas que se ven en la pantalla se hicieron especialmente para la obra o tenías pensado en un momento hacer una película con esta historia?

FA:- No, se hicieron especialmente para la obra. Tenía ganas de hacer algo que mezclara la acción en vivo en el escenario y que la pantalla no fuera solo un adorno, sino que contara parte de la historia. Hay espectáculos multimedia, pero por lo general la pantalla se usa como un adorno y no como un elemento de narración.

HZ: Sí, esa es uno de las características interesantes de Frente a tus ojos, la manera en que se trabaja, por ejemplo, con la cámara en vivo.

¿En que manera influyó la tecnología audiovisual en la escena teatral de los últimos años?

FA:- Muchas obras recurren en la actualidad a todo lo que es mutimedia. Por ejemplo, el espectáculo de Midachi, “Midachi Circus“, que está muy bien hecho, trabaja mucho con pantalla pero la utilizan de manera diferente. Hacen una sincronizacíón de lo que pasa en el escenario y lo que ocurren en la pantalla, pero por lo general no se trabaja como una herramienta cinematográfica.

HZ: Recordás antecedentes de historias de terror en el teatro, porque estuve haciendo tarea de archivo y no pude encontrar ninguna obra que se haya realizado en los últimos años.

FA:- Bueno, ese fue uno de los grandes desafíos. Hacer un género que en teatro, no entiendo por qué no se hace, tal vez porque piensan que no se puede concretar. Sí, hubo una obra que vi hace mucho en el teatro El Vitral que se llamó “Dr. Jekyll”, que parecía una película de Dario Argento, muy sangrienta y me acuerdo que se daba en las trasnoches, pero después no recuerdo haber visto otra obra. Sí tal vez vinculada con el suspenso, pero no con el terror.

HZ: Fente a tus ojos, al menos desde mi visión, me dio la impresión que está muy conectada con las “slashers movies” (películas de asesinos) de los años ´80 y en menor medida con la reciente saga del Juego del Miedo.

¿Estas películas fueron una referencia a la hora de escribir el libro?

FA:- Sí, totalmente, aparte el afiche es muy ochentoso, es del estilo de los filmes de Scream y Sé lo que hicieron el verano pasado, que a mí me encantan y me divierten. Algunas más y otras menos, pero en general la idea de la obra era evocar todo ese mundo.

HZ: Inclusive hay una escena, cuando dos personajes quedan atrapados en un sótano, que remite al comienzo de la primera entrega de SAW.

FA: Exacto, también tiene algo de SAW, aunque no es una saga que me encante la del Juego del miedo. Me inclino más por Halloween o Martes 13.  En Frente a tus ojos, si ves al asesino X, que tratamos de no mostrarlo mucho, aunque se ve, porque en teatro es muy difícil hacer eso, el personaje remite un poco a esos filmes.

HZ: ¿Cuáles fueron los cineastas del género que te influenciaron a la hora de escribir esta obra?

FA :John Carpenter, sin dudas. Sobre todo la primera etapa. Esas primeras películas como Halloween, Escape de Nueva York, todos esos filmes que hizo. Me marcaron mucho porque los vi de chico y realmente me impactaron.

HZ: Dentro del reparto para mí se destaca el trabajo de Noelia Antunes. Me imagino que no debe haber sido fácil la elección del elenco porque no era un proyecto sencillo de concretar en el teatro.

FA: No, no fue fácil. Noelia ya tenía experiencia en el cine porque había hecho la película de terror, Recortadas, de Sebastián de Caro. Sin embargo, todos pasaron por el proceso del casting. El personaje que interpreta Sebastián Ursi, que hace de un chico gay, fue el que más dudas nos dio porque había muy buenos actores para ese papel y finalmente quedó él.

HZ: Ahora, es bastante desgastante la obra por las emociones que viven sus personajes. Al final del espectáculo se puede ver a todo el elenco muy agotado.

FA: Sí, después de la obra quedan durante una hora totalmente shockeados. Lo que pasa es que empezamos a ensayar en agosto del año pasado, dos o tres veces por semana, y es un libro complicado porque tiene mucha acción física y no tanto diálogo. Salvo en la primera escena donde hablan de películas y directores.

HZ: La música de Sebastián Romero juega un papel muy importante en la narración de la historia. Vos tenías una idea clara de la música que querías que sonara en la trama o dejaste que el compositor creara todo por su cuenta.

FA: La música es muy importante. Yo con Sebastián ya había trabajado en varias obras y él ya sabe lo que me gusta a mí.  Lo que le sugerí es que se inspirara en las viejas películas de terror de los años ´80 que mencionamos antes.

HZ: Otro punto loco es que la obra se puede ver en el espacio Garrick, un lugar nuevo en el barrio de Caballito, que no tenía salas de teatro.

FA: Nosotros el proyecto lo presentamos en realidad en varios lugares. Lo presentamos también en una nueva sala del Abasto, que no era tan linda, como la del Garrick, pero tenían dudas con el proyecto porque pensaban que no iba a funcionar. En esta sala de Caballito les gustó el desafío de mezclar el cine con el teatro. El tema es que es una obra cara para mantener. Hay mucho gasto fijo que otras salas no quieren porque somos muchos en el equipo. Además del elenco, tenés a los operadores de video, sonido y luces y hay que sincronizar varias patas para que la cosa se ponga en marcha. Por lo pronto ya hicimos cuatro funciones, el próximo sábado se viene la quinta y está funcionando bien.

HZ: ¿Pensás seguir trabajando en el teatro con este tipo de historias?

FA: Me gustaría. Primero porque me gusta el género y además me parece algo distinto con lo que se puede hacer muchísimas cosas. En un momento se pensó en hacer la película de Frente a tus ojos, pero por ahora son sólo ideas.

HZ: ¿La obra sigue en el Garrick?

FA: Sí todo lo que queda de abril, mayo y la semana que viene estaremos viendo si continuamos en junio.

Frente a tus ojos en el Garrick-Arte y Cultura.  Avellaneda 1359, barrio de Caballito.

Funciones:  Sábados 23: 30 hs.  Localidades: 50 $. Jubilados y estudiantes: 35$.

Las reservas se hacen por anticipación por entradas agotadas al teléfono (011) 3526-7439 o en reservas@elgarrick.com.ar

Quería compartirla en este espacio también porque está buena y es un mundo que yo por lo menos desconocía.

http://www.cinesargentinos.com.ar/articulo/69-entrevista-a-un-actor-y-director-de-doblajes-argentino-que-trabaja-para-disney/

Muy buena onda la gente del programa.

En el post del blog titulado Las manos de Orlak pueden encontrar el audio del programa. La entrevista comienza en el minuto 20. Traten de ver estas películas que son geniales.

http://efectoblog.blogspot.com/2010/07/las-manos-de-orlak.html

La pasé muy bien con esa entrevista y quería compartirla con ustedes.

Pueden leerla en el siguiente link:

http://www.funcionagotada.com/noticias/38-noticias/682-entrevista-con-hugo-zapata-critico-de-cines-argentinoscom.html

Autora de Magia de una noche de verano.

Maite Carranza es una de las escritoras españolas más importantes que surgieron en los últimos años en la literatura juvenil.

Lleva más de 40 libros publicados con los que recibió distintos premios y además trabajó como guionista de varias series y películas de televisión en su país.

La consagración internacional la consiguió con la trilogía de “La Guerra de las Brujas” que se convirtió en una saga best seller traducida a más de 22 idiomas. Su última obra publicada en Argentina es la comedia de enredos “Magia de una noche de verano”, que les recomendé hace un par de días.

La autora tuvo la gentileza de concederme esta entrevista para el blog donde se refirió a ese líbro y su nuevo trabajo “Palabras envenenadas”.

Hugo Zapata : Maite como mencionaba en mi reseña, el guiño a Shakespeare desde el título fue algo que me atrajo enseguida, sobre todo porque no abundan las comedias de enredos de fantasía en la librerías. El género está demasiado serio últimamente.

¿Las viejas comedias del Gran William, que aun hoy son divertidas, sirvieron de inspiración a la historia de Magia de una noche de verano?

Maite Carranza : Aunque suene algo pedante leí las obras completas de Shakespeare cuando tenía 11 años. Era voraz y compulsiva. Era un libro de mi padre que usurpé sin permiso y lo convertí en lectura nocturna de un verano. De sus comedias me quedaron dos ideas muy claras: el travestismo y la confusión amorosa. Ese es el enredo. Confundir sexo y equivocarse de amado. Es la base de la comedia teatral, cinematográfica y… ¿por qué no? novelesca.

HZ: Me llamó la atención que conversando con otros lectores que leyeron el libro, C.C es el personaje favorito de muchas personas! Hay una identificación importante con él, inclusive de lectores adultos.

MC: Me alegro. Fue un reto por dos motivos. Por ser un chico y por ser un freak, dos cosas que por mucho que me esfuerce no puedo ser.

HZ: Los cambios que atraviesa el personaje son fuertes porque de alguna manera vuelve a nacer cuando se desprende de su adicción a internet y comienza a prestar atención a la vida real. ¿A que atribuís que tantos jóvenes sólo consigan relacionarse socialmente,  igual que C.C, cuando están conectados en la red?

MC: Resulta cómodo. Estuve reflexionando bastante acerca de esta cuestión y llegué a la conclusión de que parapetados tras una pantalla y moviendo tan solo un ratón muchos jóvenes consiguen ocultar sus inseguridades y su timidez. No hay cuerpo engorroso, ni miradas  inquietantes, ni sonrojos, ni manos sudorosas, ni tartamudeos. Con el teclado son graciosos, ocurrentes, frescos y mucho más valientes que en la vida real y puesto que les va bien prefieren quedarse. Es el antifaz de nuestros tiempos.

HZ: ¿Te fue fácil adaptarte al lenguaje, costumbres y gustos de los adolescentes actuales para crear los personajes principales? Creo que tuvo mucho que ver este tema en el éxito de la novela.

MC: He vivido y creo que aún vivo rodeada de adolescentes. Mis hijos, mis sobrinos, mis antiguos alumnos, los amigos de mis hijos, los vecinos etc… Cambian las modas, los argots, las habilidades y recursos de los adolescentes, pero la adolescencia – esa edad insoportable que constituye un paréntesis cada vez más largo entre la infancia y la vida adulta- continua siendo parecida a sí misma. Cándida, una alocada muchacha de 15 años, fue el primer libro de adolescentes que escribí hace más de 18 años y continua triunfando y estando más vigente que nunca a pesar de los anacronismos.  Cándida no tenía móvil, ni méssenger, ni Facebook.

HZ: Mientras leía la novela no pude evitar pensar que tranquilamente podría funcionar en el cine. Desde mi experiencia como lector sentí que el libro tenía una estructura cinematográfica. ¿El cine ha tenido alguna influencia en tu carrera como narradora?

MC: Mi oficio es el guión.  Soy guionista de ficción televisiva con un montón de horas escritas y he sido profesora de escritura de guiones en diferentes másters universitarios. A pesar de que discierno cuando escribo novela y guión es obvio que se autoalimentan.

HZ: ¿Qué fue lo que más te atrajo de la historia de los Tuatha De Danann y los milesios para desarrollar esta comedia de enredos en ese ámbito?

MC: La  coincidencia entre las relaciones tormentosas de sus reyes ( Finvana y Onaagh) y las hadas de Shakespeare ( Oberón y Titania) y la llegada de los Milesios provenientes de la Península Ibérica. La suma de ambas me dio la idea de servirme de los Tuatha  y convertirlos en coprotagonistas de mi novela, o sea, usarlos.

HZ: Me encantó la manera en que trabajaste el mundo de las hadas irlandesas. Llega un momento de la trama en que se vuelven realmente peligrosas. Como hiciste con “La Guerra de la Brujas” evitaste los clichés a la hora de encarar estos personajes populares.

¿Durante la preparación de la novela hubo algún material en especial que te inspiró a retratar el mundo feérico de esa manera?

MC: La confusión entre hadas y brujas es constante en las tradiciones culturales. Las hadas no dejan de ser brujas hermosas que habitan en lugares solitarios y que atraen fundamentalmente a los hombres. Sirenas, anjanas, mujeres de agua, son terriblemente peligrosas y traidoras. Es el aliento poético de la misoginia de nuestra civilización judeocristiana. Todo eso lo descubrí mientras me documentaba para escribir mi trilogía de brujas. Me reservé esas informaciones para más adelante y… ahí están.

HZ: ¿Cuánto tiempo de trabajo te llevó la novela desde que la planificaste hasta que la entregaste terminada en la editorial?

MC: Año y medio. Demasiado para lo que acostumbro. Pero fue un libro lento de escritura porque estuvo salpicado de parones motivados por giras de promoción y episodios familiares tristes como la muerte de mi madre

HZ: Maite, me gustó mucho la ilustración de Enrique Corominas para la portada. Es muy atractiva y se destaca por los colores en las librerías. ¿Te convenció desde el principio o te llevó un tiempo elegir entre distintas opciones?

MC:Me gustó el color y la apuesta atrevida de un hada seductora. Discrepé sobre el atuendo y el cabello del hada. Yo prefería una versión suya anterior más andrógina y ambigua. Aunque reconozco que esta última es muy acertada.

HZ: En tu último trabajo “Palabras envenenadas” abordás temáticas más oscuras como el abuso sexual infantil. La historia es narrada desde la óptica de distintos personajes entre ellos la chica que sufre el abuso.

¿Cómo fue el desafío de ponerte en la piel de ese personaje en particular?

MC: Muy duro y difícil de explicar porque resulta casi imposible asimilar el dolor que puede vivir una muchacha en esas circunstancias. Puntualizo que la chica no solamente es víctima de abusos sexuales sinó que es secuestrada por su abusador y recluída en un zulo durante cuatro años. Me he tenido que enfrentar a una historia de  pérdida de la dignidad, de la autoestima, de la libertad, de la esperanza. Durante el tiempo que compartí con Bárbara ( la protagonista) llegué a familiarizarme con la idea de la muerte. Creo que con eso está todo dicho.

HZ:  ¿Tenés información si Edebé editará pronto la novela en Argentina?

MC: Sí, la novela será publicada en Marzo, o sea ya, y será distribuida con normalidad puesto que es un premio EDEBÉ de la colección Periscopio. Supongo que llegará a Argentina sin problemas.

HZ:Para cerrar Maite. Recomendanos un libro que hayas leído recientemente (no importa el género) y te haya encantado.

MC: Me impactó muchísimo “Siete casas en Francia” de Bernardo Atxaga publicado recientemente en España. Es un libro aparentemente sencillo, inocuo, descriptivo, imparcial, que narra un episodio casi anecdótico de la colonización belga del Congo. De pronto descubres que tras esa intrascendencia inocente se ocultan las monstruosidades de la colonización banalizada como un incidente aburrido, pero necesario, de la historia europea.  En ese momento el libro se convierte en una bomba de relojería que explota y no deja títere con cabeza.

Sorprendente, apabullante y muy recomendable.

HZ:Muchísimas gracias por esta entrevista y por todas esas historias fabulosas que creastes hasta ahora.

MC: Gracias a ti y a tus lectores.

Carlos Saldahna

Junto a Chris Wedge, fundador de la productora Blue Sky, que pertenece a los estudios Fox,  fue responsable de la serie de La Era de Hielo y Robots.

Desde su ciudad natal, Río de Janeiro, donde promociona su último trabajo, el director concedió una entrevista telefónica a Cines Argentinos para hablar de su carrera y su nueva película.

Hugo Zapata (HZ): Carlos,  miles de personas vieron tus películas en Latinoamérica pero se sabe realmente poco sobre vos y tu carrera. ¿Quiénes son los artistas que te inspiraron  a dedicarte a la animación?

Carlos Saldahna (CS): Disney. Sus grandes clásicos. Películas como Dumbo, Bambi y Pinocho siempre fueron mis favoritas, porque eran trabajos muy cuidados desde la realización y la historia que resultaban totalmente inspiradores.

Inclusive hoy cuando trabajo con toda la tecnología que tenemos disponible siempre trato de rescatar esa poesía que tenían aquellos filmes.

HZ: ¿Qué edad tenías cuando dejaste Brasil para estudiar en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York?

CS: 21. Era muy joven! Si hoy mis hijos tomaran esa decisión probablemente enloquecería! (Risas) Pero en ese momento no lo pensé demasiado. Había estudiado en Brasil computación e hice trabajos muy chicos en animación. Cuando me enteré que la escuela de Artes Visuales en Nueva York  tenía un programa de arte sobre animación computada no lo dudé un minuto. Era lo que quería hacer y me fui para allá!

HZ: Entonces, ¿Cómo fue que entraste a la productora Blue Sky?

CS: Bueno, conocí a Chris Wedge en las Escuela de Artes Visuales, donde el trabajaba como profesor.  Creo que fue entre 1991 o 1992. Tené en cuenta que en ese momento Blue Sky era una compañía independiente muy chiquita, que realizaba comerciales para televisión. Él trabajaba en la escuela de arte porque la productora no daba dinero en ese momento y todos tratábamos de  pagar las cuentas como podíamos.

Era mi maestro en la materia de animación y desarrollamos una buena amistad. Cuando me gradué me invitó a formar parte de su empresa. Le gustaban las cosas que yo hacía y me integró al equipo.

Siempre supo que íbamos a crecer. Me dijo “Ahora somos una empresa chica pero te aseguro que vamos a hacer cosas grandes, vamos a terminar haciendo películas”.

Esa pasión, de hacer cosas grandes, de desarrollarnos en la animación me alentaron por completo y aunque al principio ganaba muy poco dinero decidí aceptar el trabajo.

HZ: En tu última película, La Era de Hielo 3,  trabajaste durante tres años en la producción hasta que el proyecto estuvo terminado. ¿Cómo lidiaron tus compañeros y vos con la presión diaria que acarrea una secuela de este tipo?

CS: Sabés que es gracioso porque todo el mundo te dice es la tercera! Sale fácil!

Pero en realidad es peor. En la primera teníamos la preocupación porque le gustara al público. En la segunda, teníamos la presión de que fuera mejor que la anterior y con la tercera la presión por el éxito se sintió mucho más.

HZ: Le tenías miedo a la “Maldición de la tercera película”…

CS: Si! (Risas) Siempre pensaba en eso. Es que después que la primera tuvo éxito en la taquilla sabés que vas a hacer la segunda y el público está dispuesto a reencontrase con los personajes.

Después de la segunda las cosas son más difíciles porque no siempre salen bien. Nos esforzamos más que en las anteriores para hacer todo lo mejor posible y estoy contento con el resultado final. Cuando la veo es la que más me gustó de la tres.

Espero que podamos romper la maldición.

HZ: Bueno, mal no les fue.  A propósito, en Estados Unidos ya pasó los 120 millones de dólares, pero en el resto del mundo va por los 322 millones de dólares!

Es una diferencia importante Carlos. ¿A que le atribuís el suceso internacional?

CZ: No lo sé! Es un fenómeno muy interesante. Creo que tendrá que ver con que el público en otros países se encariñó más con los personajes que en Estados Unidos. Sabés que con la promoción de la película hablé con personas de distintas partes del mundo y lo que noté es que en otros países se encariñan  más con los personajes y les interesan las situaciones que atraviesan.

También tiene que ver con que es una película que la pueden pasar bien grandes y chicos y eso repercutiría también  si no fuera una propuesta familiar. Pero la verdad es que a mi también me sorprende.

HZ: En esta tercera parte de la serie ¿Pensaron trabajar el formato 3 D desde el comienzo del proyecto?

CS: No desde el comienzo. Cuando empezamos a trabajar hace dos años y medio el  3D no era la sensación que es hoy. Fueron los del estudio los que dijeron: “En tres años habrá una gran demanda en este formato. Vamos a hacerla en 3D. Si no lo hacemos ahora en tres años todos los estudios van a estrenar películas en tres dimensiones y nos nosotros nos vamos a quedar atrás”.

Por eso fuimos por ese camino.

HZ: ¿Lleva más tiempo hacer la película en tres dimensiones?

CS: Si, la verdad que sí. Pensá que cuando tenemos el producto terminado nos tenemos que poner a trabajar en el 3D que se hace en post producción. En Blue Sky creamos una división especial para este tema. Es un equipo de 30 personas que sólo trabaja en el 3D.

Creo que habrán sido tres o cuatro meses más de trabajo.

HZ: Y debe ser un proceso más caro ¿no?

CS: Sí, pero tampoco es tan caro, porque la película ya está terminada. Lo que más incrementa los costos es que tenés que colorear el film otra vez.  Todo lo que hiciste en la versión en 2 D luego se retoca en el formato de tres dimensiones.

HZ: Carlos ¿Crees que todavía se pueden contar más historia con estos personajes o con la tercera se cerró una etapa?

CS: Sí, podría haber otra, pero yo no me veo trabajando  en la dirección otra vez.

Creo que asistiría a la producción, pero estoy seguro que el estudio ya está pensando en la cuarta. Sería raro que no sucediera porque están haciendo mucha plata en este momento.

HZ: ¿Tengo entendido que tu próxima película va a tener como escenario a Brasil?

CS: Sí, es mi próximo proyecto, se va a titular “Río”. Es un viejo sueño mío. Siempre tuve esta idea de hacer una película animada en mi ciudad. Es un lugar muy fotogénico ideal para el 3D, con los contrastes de la montaña, el océano, las estatuas y siempre quise retratar en el cine de animación la cultura carioca.

HZ: ¿Van a aparecer animalitos parlantes nuevamente?

CS: (Risas) Sí,  en el caso de los protagonistas, pero esta vez también habrá humanos!

Es la historia de un Guacamayo azul que vivió gran parte de su vida y en los Estados Unidos y vuelve a Brasil para reencontrarse con sus raíces.

Es una linda historia que quiero contar pero recién estamos en preproducción.

HZ: En el último tiempo varios colegas tuyos como Gabor Csupo (Rugrats, El mágico mundo de Terabithia), Kevin Lima (Tarzán, Encantada) y Andrew Adamson (Shrek, Las crónicas de Narnia) dejaron por un tiempo la animación para trabajar en filmes de acción en vivo. ¿Te tienta seguir ese camino en el futuro?

CS: Bueno, es interesante porque en las  películas que hago estoy acostumbrado a pasar el tiempo rodeado por las personas con las que trabajo y eso no sería un problema.

El tema es que amo tanto el cine de animación que la verdad no me veo en un futuro cercano dirigiendo una película de acción en vivo, aunque me da mucha curiosidad.

Creo que si lo hiciera tendría que ser algo totalmente distinto a lo que suelo trabajar. Me refiero a  que sería una producción independiente de bajo presupuesto. Pero nunca se sabe!

HZ: Ok, Carlos muchas gracias por la entrevista a  nuestra página.

CS: Fue un placer, mucha suerte.